Charla «Paola Antonelli trata el diseño como arte» de TED2007 en español.
Paola Antonelli, curadora de diseño del Museo de Arte Moderno de Nueva York desea divulgar su apreciación por el diseño — de todas formas y maneras — alrededor del mundo.
- Autor/a de la charla: Paola Antonelli
- Fecha de grabación: 2007-03-03
- Fecha de publicación: 2008-01-15
- Duración de «Paola Antonelli trata el diseño como arte»: 1097 segundos
Traducción de «Paola Antonelli trata el diseño como arte» en español.
Aquellos quienes creemos en el cielo tenemos algún tipo de idea de lo que el cielo sería Y según mi idea, el cielo es curiosidad satisfecha.
Pienso en el cielo como una nube realmente confortable, en donde simplemente puedo echarme — sobre mi barriga, como si estuviese mirando la tele cuando era niña, y apoyada sobre mis codos.
Y básicamente, puedo mirar dondequiera que desee — ver cada película que siempre he deseado ver.
Y en el mismo tipo de trance que a veces puedes sentir en el subterráneo, en Nueva York, cuando estás leyendo, hay algo muy relajante y tranquilo.
Bien, lo divertido es que ya tengo ese tipo de vida, de algún modo.
Porque yo descubrí — me tomó tiempo entenderlo, pero cuando descubrí, alrededor de los 24 años de edad, que estaba mucho más cómoda con los objetos que con la gente, finalmente, decidí en verdad abrazar esta pasión.
Y fundamentalmente, vivo mi vida en una especie de trance.
Y miro alrededor, y todo lo que veo es apenas el inicio de una larga historia.
Sólo para darles un ejemplo: esta es la exposición «Modestas Obras Maestras» presentada en el Moma en 2004.
Nosotros estábamos en Queens.
Estábamos construyendo el gran, gran, gran, gran edificio en el casco central así que estábamos en las pequeñas, pequeñas, pequeñas afueras (Long Island).
Aquél fue uno de los momentos más divertidos de mi carrera.
Pero no solamente eso.
El tipo de letra — el tipo es Helvética.
Este año es su 50.° aniversario.
Y entonces comienzo a pensar: Max Miedinger, y todos aquellos diseñadores suizos reunidos, intentando superar Akzidenz Grotesk, y emergen con una nueva tipografía sin serifas.
Y la película comienza a proyectarse en mi cabeza inmediatamente.
Y por supuesto, pueden imaginar que con «Modestas Obras Maestras» fue la misma cosa multiplicada por cien.
Y espero, por cierto, que el objetivo real de la exposición va a tener el mismo efecto en ustedes.
La exposición pretendía ser un medio para tener a los niños pensando qué hacer — ¿saben, cuando ellos hacen sus tareas en casa? En lugar de tener una bandeja con dos guisantes, yo estaba esperando que fueran al gabinete de la cocina, o al bolso de la madre, e hicieran su colección de diseño con calidad museística en una bandeja.
Así, todos sugerían siempre nuevas «Modestas Obras Maestras».
Y en el MoMA colocamos algunos libros — sólo para que la gente sugiriera sus propias «Modestas Obras Maestras».
Y cuando haces eso, usualmente obtienes 80 por ciento de porno y 20 por ciento de verdaderas sugerencias.
Y en cambio, fueron todas — casi — todas buenas sugerencias.
Y afloró un montón de nacionalismo.
Por ejemplo, yo no sabía que los españoles inventaron el trapeador — pero ellos estaban muy orgullosos.
Así cada español dijo «la fregona» y los italianos la pizza.
Y deseaba mostrarles, también, las sugerencias de Kentucky son bastante buenas: tenían la luz de luna, los detergentes de lavandería y Liquid Nails (adhesivo).
Y lo dejé seguir, y acabo de conseguirlo —
(Risas)
— también, esta sugerencia de Milán: es nuestro separador vial, al cual llamamos panettone, y está pintado — saben, son aquellas hermosas cosas de concreto que usan por todo Milán para demarcar todos los carriles de tráfico.
Así que piensen en las suyas.
Envíenlas, si lo desean — siempre son bien recibidas.
Pero una exposición así me hizo comprender aún más aquello en que he estado pensando durante 13 años, desde que llegué al MoMA.
Soy italiana.
En Italia diseñar es normal.
Saben, en diferentes partes del mundo tienen una destreza para diferentes cosas.
Hace poco estuve en Argentina y Uruguay, y el estilo habitual para edificar casas en la región es de un bello modernismo que no ves en otro lugar, pero el arte contemporáneo era horrible.
En Italia — particularmente, en Milán — el arte contemporáneo realmente no tiene mucho espacio.
Pero el diseño — ¡Oh, Dios mío!.
Lo que consigues en la tienda de la esquina, sin ir a ningún tipo de almacén lujoso, es la clase de diseño refinado que hace que todo el mundo piense que todos somos muy sofisticados.
Es sólo lo que encuentras en la tienda.
Y Nueva York tiene otro tipo de destreza para el arte contemporáneo.
Siempre estoy sorprendida — a la edad de tres años conocen quién es Richard Serra y te llevan a las galerías.
Pero el diseño, por algún motivo, aún se confunde con decoración.
Es muy interesante.
Lo que mucha gente piensa cuando menciono la palabra «diseño», es lo que creen de esta clase de sobrediseñada — en este caso, sobrediseñada a propósito — pero decoración, decoración interior.
Piensan en alguien seleccionando tejidos.
Diseñar puede ser eso, claro, pero también puede ser esto.
Puede ser una escuela de diseño en Jerusalén que intenta una manera mejor de diseñar máscaras de gas para la gente.
Porque, como saben, Israel distribuye una máscara por persona, incluyendo a bebés.
Entonces, lo que estos diseñadores hacen es hallar una forma de reducir el escote — así que en lugar de estar completamente estrangulado, un adolescente también pueda sorber una Coca-Cola.
Intentaron crear una máscara de gas para niños de tal manera que éste pueda ser sostenido por los padres — porque la proximidad del cuerpo es tan importante — y luego crearon una tiendita para el bebé.
Por más cruel, por más despiadado que piensen que sea, es un gran diseño.
Y está a kilómetros de distancia del mobiliario lujoso, pero aún, es parte de mi misma área de pasión.
Y lo que he estado haciendo en el MoMA desde el comienzo es tratar de aprovechar el poder del MoMA.
Porque es estupendo trabajar allí — tú realmente tienes poder, en esa gente que habitualmente se ocupa de conocer tu exposición o de ver las exposiciones.
Y eso es poder, porque en un museo de diseño, no tendría tantos visitantes.
Yo estoy muy consciente de que el 80 por ciento de mi público está allí para ver a Picasso y Matisse.
Y luego tropiezan con mi muestra, y los retengo allí.
Pero lo que he estado tratando de hacer es algo que los curadores del MoMA en mi departamento han estado haciendo desde que el museo fue fundado en 1929, lo cual es ensayar y observar qué está pasando en el mundo e intentar usar esa autoridad para mejorar las cosas.
Han sido muchos episodios — Y realmente, Eames Demetrius quizá esté aquí entre la audiencia.
Pero en dos ocasiones su bisabuelo — abuelo — Siempre estoy un poco confundida con la relación, exactamente.
Pero Charles Eames, la primera vez, y luego Charles y Ray Eames la segunda vez estuvieron involucrados en dos competencias.
Una en 1940 — fue sobre mobiliario orgánico — y la segunda, en 1948, fue sobre mobiliario de bajo costo para los soldados que regresaban de la guerra que luego suscitó una línea completa de mobiliario.
Y entonces existía buen diseño a un precio muy bajo.
Hubo montones de programas de arquitectura y diseño que consistían en guiar a la gente en dirección a un diseño mejor para una vida mejor.
Así que comencé en el 95 con esta exposición que se llamó, «Materiales Mutantes en el Diseño Contemporáneo» Fue sobre una nueva fase, en mi opinión, en el mundo del diseño en la que los materiales podrían ser personalizados por los mismos diseñadores.
Y me puso en contacto con diversidad de ejemplos de diseño como los aerogeles del Laboratorio Lawrence Livermore de California.
En ese momento, estaban comenzando a ser introducidos en el mercado civil.
Y al mismo tiempo, el estupendo trabajo de Takeshi Ishiguro, quien creó estos hermosos envases para sal y pimienta elaborados con pasta de arroz.
Así, ven, — el rango es realmente muy diverso.
Y luego por ejemplo, esta otra exposición que fue titulada, «Trabajósferas» en 2001, donde le pedí a diferentes diseñadores presentar ideas para la nueva clase de estilos de trabajo que estaban aconteciendo mundialmente en aquel entonces.
Y ven a Ideo allí.
Era hermoso — fue llamado «Cielos Personales».
La idea era que si tenías un cubículo, podrías proyectar un cielo encima de tu cabeza, y tener tu propio «Cielo in Una Stanza» — un cielo en un cuarto.
Es una canción italiana muy famosa.
Y otros ejemplos.
Este era Marti Guixe, refiriéndose a trabajar sobre la marcha.
Y Hella Jongerius, mi favorita, sobre cómo trabajar en casa.
Y esto me permitió presentar una idea muy importante sobre el diseño.
Los diseñadores son los sintetizadores más grandes del mundo.
Lo que mejor hacen es elaborar una síntesis de las necesidades humanas; para las condiciones actuales en economía, en materiales, en cuestiones de sostenibilidad.
Y luego, lo que ellos hacen, al final — si son buenos — es mucho más que la suma de sus partes.
Y Hella Jongerius es una persona capaz de realizar una síntesis que es totalmente sorprendente, y, además, totalmente divertida.
La idea detrás de su trabajo era que — saben, en ese momento todos estaban diciendo: realmente, tienes que dividir tu vida.
Y al contrario, ella dijo: no, no — trabajo y ocio pueden estar juntos.
Sí ese es particularmente estupendo — es la tele cena de 2001.
Han habido muchas otras exposiciones en el ínterin, pero no quiero concentrarme en mis muestras.
En cambio, quisiera conversar sobre cuán grandes son algunos diseñadores.
Siempre he tenido severas dificultades con la palabra «maverick» [inconforme] Saben, llegué a Estados Unidos hace 13 años, y hasta hoy día tengo que preguntar, saben, ¿qué es lo que significa? Entonces, esta mañana consulté en el diccionario, y decía que existió ese caballero que no marcaba su ganado.
Por lo tanto, él no estaba siguiendo las pautas de los demás — y por lo tanto, era un «maverick» [inconforme] Así que, saben, los diseñadores necesitan ser inconformes.
Porque la mejor manera de diseñar un objeto exitoso — y además, un objeto que antes nos estaba faltando — es pretender que éste nunca existió o que la gente será capaz de tener un nuevo comportamiento con él.
Así que «Seguro» es la última exposición que hice en MoMA.
Y terminó a comienzos del año pasado, y fue sobre el diseño que lidia con seguridad, y lidia con protección.
Es un cuento largo porque comenzó antes del 2001, se llamaba «Emergencia».
Y luego, cuando sucedió el 11/9, tuve un shock, y cancelé la exposición.
Hasta que, lenta pero segura, volvió — como un vaso medio lleno, en vez de medio vacío — y era sobre la protección y la seguridad.
Pero abarcaba desde elementos tales como un equipo completo de remoción de minas hasta este tipo de pajillas esterilizadoras de agua.
Así que fue un rango muy amplio.
También tuvo — saben, Cameron y yo trabajábamos un poco juntos.
Y algunas de las entradas que ven en su sitio web realmente estuvieron en la exposición.
Pero lo interesante es que ya no necesitamos hablar sobre arte y diseño.
Pero el diseño utiliza cualquier herramienta que tenga a su disposición para lograr un propósito.
Es un sentido de economía — y también un sentido de humor.
Este es un proyecto hermoso de Ralph Borland, que es sudafricano.
Es un traje para la desobediencia civil.
La idea es que cuando tengas una concentración o una protesta y la policía venga hacia ti, estés usando esta cosa.
Es como un gran corazón — y tiene un altavoz sobre tu corazón para que tus latidos sean amplificados.
Y la policía queda advertida — es como tener una flor frente al rifle.
Y además, pueden imaginar, un grupo completo de personas con el mismo atuendo tendrán estos crecientes latidos colectivos que asustarán a la policía.
Saben, así que los diseñadores, en ocasiones, hacen cosas que no son expresamente funcionales, sino funcionales para nuestra comprensión de los temas.
Dunne y Raby — Tony Dunne y Fiona Raby — realizaron esta serie de objetos que tratan sobre nuestra angustia y nuestra paranoia.
Como este mueble escondite que está hecho con la misma madera que tu piso, así que desaparece completamente y te puedes ocultar.
O, mejor aún, el hongo atómico estrujable — que me consiguió un artículo en el Boletín de Científicos Atómicos de los Estados Unidos.
Creo que jamás había ocurrido antes en el MoMA.
O esta Silla Faraday, que se supone te protege de las radiaciones.
Pero lo interesante de la exposición es aquél descubrimiento que era que el último refugio es tu sentido de ti mismo — y hay muy pocos diseñadores que están trabajando en este tema.
Esta es Cindy van der Bremen, quien es una diseñadora holandesa que ha hecho esta serie de velos.
Son implementos deportivos para mujeres musulmanas que les permiten esquiar, jugar tenis — hacer cualquier cosa que deseen — sin tener ellas que descubrirse.
Y a veces, por hacer este tipo de investigación encuentras ideas de diseño tan bellas.
Twan Verdonck es realmente joven — creo que tiene 27 — y, trabajando junto a un psicólogo, hizo una serie de juguetes para la estimulación sensorial de niños que tienen impedimentos sicológicos.
Son absolutamente bellos.
Van desde este juguete esponjoso, que versa sobre abrazarte — porque los niños autistas adoran estar estrechamente abrazados, así que tiene un resorte interno — extendiéndose hasta esta muñeca con espejo, así el niño puede verse él o ella misma en el espejo, y recuperar un sentido de sí mismo.
El diseño realmente abarca el mundo entero, y lo considera en todos sus diversos ámbitos.
Recientemente estuve en una conferencia sobre el lujo, organizada por el Herald Tribune, en Estambul.
Y fue muy interesante, porque fui última oradora, y antes que yo, había gente que realmente estuvo charlando sobre el lujo.
Y no quería ser una aguafiestas, pero al mismo tiempo sentía que, en cierto modo, tenía que devolver el discurso a la realidad.
Y la verdad es que existen diversos tipos de lujo.
Y hay lujos que son relativos, para la gente que no tiene tanto.
Y quiero destacar este punto para mostrarles dos ejemplos de diseño provenientes de un sentido de economía — muy, muy claros límites.
Ésta es Cuba, y éste es el reciclaje de un juguete chillón como timbre de bicicleta.
Y éste, en cambio, un impermeable hecho con sacos de arroz.
Así que son absolutamente bellos, pero son bellos porque son tan atinados y económicos.
Y en su lugar, aquí está el trabajo de dos hermanos de Sao Paulo Fernando y Humberto Campana, quienes se inspiraron en la pobreza y la agudeza que vieron alrededor de ellos para hacer piezas de mobiliario que ahora se están vendiendo en una enorme suma de dinero .
Pero esto es debido a un tipo de rareza propia del mercado.
Así que realmente, el diseño todo lo toma en cuenta.
Y lo interesante es que, así como avanza la tecnología, así como nos volvemos más y más inalámbricos e impalpables, los diseñadores, en lugar de eso, desean que seamos de «manos a la obra».
A veces, «martillos a la obra».
Ven, esta es toda una serie de muebles que desean engranar fisicamente contigo.
E incluso esta silla, que tienes que abrir y después sentarte, por lo que toma tu marca, hasta abarcar esta serie de objetos que son diseños atribuidos a Ana Mir de Barcelona.
Desde este tipo de bisutería con cabello humano, a estos pezones de chocolate a estos caramelos interdigitales que supuestamente tu amante chupará de los dedos de tus pies.
(Risas)
Es absolutamente bello, porque por alguna razón, este es un momento estupendo para el diseño.
Hace muchos años, oí a un matemático de Viena, cuyo nombre era Marchetti, explicar cómo la innovación en la industria militar — por consiguiente, una innovación secreta — y la innovación en la sociedad civil son dos sinusoides que, en cierto modo, están opuestas.
Y eso tiene sentido.
En momentos de guerra, hay grandes innovaciones tecnológicas.
Al contrario, en el mundo tú tienes que prescindir — bien, durante la Segunda Guerra Mundial, tenías que prescindir del acero, tenías que prescindir del aluminio.
Y después, al llegar la paz, todas estas tecnologías logran una repentina disponibilidad en el mercado civil.
Muchos de ustedes podrían saber que la silla Potato Chip de Charles y Ray Eames proviene de exactamente ese tipo de situación.
La fibra de vidrio estuvo disponible para uso civil repentinamente.
Yo creo que es un momento extraño.
El ritmo de las sinusoides ha cambiado tremendamente, al igual que el ritmo de nuestra vida en los últimos 25 años.
Así que yo no estoy segura de qué longitud de onda sea.
Pero seguramente es un momento muy importante para el diseño.
Porque no sólo es el proceso tecnológico — no sólo es tecnología informática haciendo posible el contenido abierto también en el mundo del diseño — sino además, la idea de sostenibilidad — lo cual no es únicamente sostenibilidad desde el punto de vista de las emisiones y residuos de CO2, sino también de la sostenibilidad de las interrelaciones humanas — es una gran parte del trabajo de tantos diseñadores.
Y por eso es que los diseñadores, cada vez más, están trabajando en comportamientos más que en objetos.
Especialmente los buenos — no todos ellos.
Deseo mostrarles, por ejemplo, la obra de Mathieu Lehanneur, la cual es absolutamente fantástica.
Él es otro joven diseñador de Francia que está trabajando — y en este punto, está trabajando además, con compañías farmacéuticas — en nuevas maneras para inducir a los pacientes, especialmente niños, a tomar sus medicamentos, con constancia y con certeza.
Saben, por ejemplo, ese es un bello dispensador de medicamento para asma del tipo que se infla así mismo cuando es hora de tomar tu medicina.
Así que el niño tiene que ir — (sonido) — para liberar y aliviar el mismo contenedor.
Y en cambio, este otro medicamento es algo con lo que puedes dibujar sobre tu piel.
Por lo tanto, la dosificación intradérmica permite involucrante con alegría en este tipo particular de aplicación.
Similarmente, existe el trabajo de gente como Marti Guixe, que trata de involucrarte en una forma que trata realmente de hacer que todo pase por tu boca.
Así que aprendes de tus errores, o de tu gusto, oralmente.
La próxima muestra sobre la que voy a trabajar — y aquí he estado machacándoles un montón sobre esto — es acerca de la relación entre diseño y ciencia.
Estoy tratando no de encontrar las metáforas, sino más bien los puntos en común: las quejas comunes, los problemas comunes, las preocupaciones comunes.
Y pienso que nos permitirá ir un poco más lejos en esta idea de diseño como una instrucción: como una indicación, en lugar de una receta de forma.
Y estoy esperando que muchos de ustedes respondan a esto.
Ya he enviado un e-mail a muchos de ustedes.
Pero diseño y ciencia, y la posibilidad de visualizar diferentes escalas, y por lo tanto, trabajar realmente en la escala de lo muy pequeño para hacerlo muy grande y significativo.
Gracias.
https://www.ted.com/talks/paola_antonelli_treat_design_as_art/
