INTRODUCCIÓN AL IMPRESIONISMO
La corriente artística que surgió en Francia, principalmente en la pintura, alrededor del año 1870 se llama impresionismo.
Este movimiento, con un sello anti-academicista, propuso el abandono de las técnicas y temas tradicionales, dejando los talleres iluminados artificialmente para rescatar la naturaleza al aire libre, ya que se les mostraba a sus ojos, según ellos, como una suma de colores fundidos en la atmósfera.
Así, el nombre de impresionismo no era casual.
El crítico Louis Leroy, en la primera exposición del grupo de café de Guerbois (donde se reunieron los pintores), al ver la obra de Monet, Impresión, Sol Naciente, comenzó a llamar sarcásticamente a estos artistas Impresionistas.
Criticadas, rechazadas e incomprendidas, las exposiciones de sus obras crearon una expectativa muy alta en los círculos intelectuales de París, que no podían entender y aceptar sus pinturas, en las que eran extrañas al naturalismo académico.
Hay dos de las fuentes más importantes del impresionismo: la fotografía y las impresiones japonesas (ukiyo-e). La primera alcanzó su máximo a finales del siglo XIX y demostró ser el método ideal para capturar un determinado momento, lo cual fue una preocupación principalmente para los impresionistas.
El segundo, introducido en Francia con la reapertura de los puertos japoneses en Occidente, proponía un tema urbano de acontecimientos cotidianos, realizado en pinturas planas, sin perspectiva.
Los más importantes representantes del impresionismo fueron: Manet, Monet, Renoir, Degas y Gauguin.
En el resto de Europa esto ocurrió más tarde. Al impresionismo le siguieron varios movimientos, representados por pintores igualmente importantes con teorías muy personales, como el postimpresionismo (Van Gogh, Cézanne), el simbolismo (Moreau, Redon) y el fauvismo (Matisse, Vlaminck, Derain, entre otros) y el retorno al principio, es decir, al arte primitivo (Gauguin). Todos apuestan por la pureza cromática, sin divisiones de la luz.
Impresionismo
La propia escultura de este período también puede ser considerada impresionista, ya que, de hecho, los escultores intentaron una nueva forma de moldear la realidad.
Es la época de las esculturas inacabadas de Rodin, inspiradas en Miguel Ángel, y los dinámicos bocetos de Carpeaux, con trazos del rococó. La superficie pulida y transparente de las delicadas ninfas de Canova ya no era de interés.
Se trataba de desnudar el corazón de la piedra para demostrar el trabajo del artista, el nuevo carácter de la estatuaria.
PINTURA IMPRESIONISTA
Lo que más interesaba a los pintores impresionistas era la captura momentánea de la luz en la atmósfera y su influencia en los colores.
Ya no existía la línea, o los contornos, o la perspectiva, más que la que les proporcionaba la disposición de la luz.
A pocos centímetros del lienzo, un cuadro impresionista se ve como un montón de manchas de tinta, mientras que a distancia los colores se organizan ópticamente y crean formas y efectos de luz.
Los primeros estudios sobre la incidencia de la luz en los colores fueron realizados por el pintor Corot, modelo de muchos impresionistas y maestros de la escuela de Barbizon.
Tratando de moldear los colores en lo natural, los impresionistas comenzaron a trabajar en el exterior para capturar la luz y los colores exactamente como aparecen en la realidad.
El tema de sus pinturas estaba más cerca de las escenas urbanas en parques y plazas que de los paisajes, aunque cada pintor tenía sus motivos favoritos.
Reunidos en Argenteuil, Manet, Sisley, Pissarro y Monet, experimentaron principalmente con la representación de la naturaleza a través de los colores y la luz. Pronto alcanzaron la máxima expresión de lo pictórico (el color) frente a la línea (el dibujo).
Como nunca antes, la luz se convirtió en la protagonista y alcanzó una solidez aún mayor que la que se puede ver en los cuadros de Velázquez, en las pinceladas truncadas y sueltas de Hals o en el color de Giorgione, reinterpretado de forma totalmente antiacadémica.
Más tarde surgirían los llamados post-impresionistas, que no formaban ningún grupo concreto y cuyas obras eran mucho más diferenciadas: Cézanne y su estudio de los volúmenes y las formas puras; Seurat, con su cromatismo científico; Gauguin, cuyos estudios sobre el color precedieron a los fauvistas; y Van Gogh, que introdujo el valor del color como fuerza expresiva del artista.
El líder del grupo Fauvista fue Matisse, que partió del estudio de los impresionistas y post-impresionistas, de los que heredó su obsesión por el color. Junto a él, Vlaminck y Derain, el primero totalmente independiente y fascinado por la obra de Van Gogh, y el segundo a medio camino entre los simbolistas y el realismo de los años 20.
El grupo se completó con los pintores Dufy, Marquet, Manguin, Van Dongen y un Braque pre-cubista. Este movimiento alcanzó su máximo en 1907.
ESCULTURA IMPRESIONISTA
Al igual que la pintura, la escultura de finales del siglo XIX trató de renovar completamente su lenguaje.
Había tres conceptos básicos de esta nueva estatuaria: la fusión de la luz y las sombras, la ambición de obtener estatuas visibles desde el mayor número de ángulos posibles y el trabajo inacabado como un ejemplo ideal del proceso creativo del artista.
Los temas de la escultura impresionista, al igual que el resto de la pintura, surgieron del entorno cotidiano y de la literatura clásica en boga en ese momento.
Rodin y Hildebrand fueron, en parte, responsables de esta nueva estatuaria, el primero con su trabajo y el segundo con sus teorías. Igualmente importantes fueron las contribuciones del escultor Carpeaux, que retomó la vivacidad y la opulencia del estilo rococó, pero distribuyendo hábilmente las luces y las sombras.
La aceptación de sus bocetos por el público animó a Carpeaux a dejar la superficie de sus obras sin pulir, lo que era entonces fundamental para las esculturas inacabadas de Rodin.
Rodin consideraba que El Esclavo, que Miguel Ángel no terminó, era la obra en la que mejor se reflejaba la acción del escultor. Por eso le parecieron tan interesantes los bocetos de Carpeaux, y luego comenzó a exhibir obras inacabadas. Otros escultores fueron Dalou y Meunier, a quienes se debió la revalorización de los temas populares.
Obreros, campesinos, mujeres que realizan actividades domésticas, todos formaban parte del nuevo álbum de personajes de la nueva estética.
