Charla «Shea Hembrey: cómo me convertí en 100 artistas» de TED2011 en español.
¿Cómo organizar una exposición internacional de arte con el trabajo de 100 artistas diferentes? Si usted fuese Shea Hembrey, inventaría usted mismo todos esos artistas y sus obras de arte; desde las grandes instalaciones al aire libre hasta las obras pequeñas dibujadas con un pincel de un solo pelo. Vea esta divertida y alucinante charla para entender la explosión de creatividad y diversidad de las habilidades que un solo artista es capaz de hacer.
- Autor/a de la charla: Shea Hembrey
- Fecha de grabación: 2011-03-03
- Fecha de publicación: 2011-06-14
- Duración de «Shea Hembrey: cómo me convertí en 100 artistas»: 1008 segundos
Traducción de «Shea Hembrey: cómo me convertí en 100 artistas» en español.
Soy un artista contemporáneo con una formación un tanto sorpresiva.
Tendría unos 20 y tantos cuando fui por primera vez a un museo de arte.
Me crié en medio de la nada en un camino de tierra en la Arkansas rural, a una hora del cine más cercano.
Y creo que era un lugar estupendo para un futuro artista, porque crecí entre personajes estrafalarios y pintorescos y extraordinarios en la fabricación artesanal.
Mi infancia es más pueblerina de lo que podría explicarles, y también más intelectual de lo que jamás podrían imaginar.
Por ejemplo, mi hermana y yo, de pequeños, competíamos para ver quién era capaz de comer el mayor número de cerebros de ardilla.
(Risas)
Por otra parte, sin embargo, en nuestra casa éramos lectores empedernidos.
Y si el televisor estaba encendido, era para ver un documental.
Mi padre es el lector más voraz que conozco.
Puede leerse una, o dos novelas al día.
Pero de pequeño, aún recuerdo cómo mataba moscas por la casa con mi pistola de aire comprimido.
Para mi lo sorprendente era que me gritaba desde su sillón que le trajera mi pistola, y yo la iba a buscar.
Y lo que para mí era sorprendente…
bueno ya era todo un número lo de matar una mosca en la casa con una pistola.
Para mi lo sorprendente era que justo sabía cómo cargarla.
Y que podía dispararla desde dos habitaciones sin dañar nada, porque él sabía cómo cargarla apenas para matar la mosca y no dañar donde ella se posaba.
Pero, deberíamos hablar de arte.
(Risas)
O vamos a estar aquí todo el día con historias de mi infancia.
Me encanta el arte contemporáneo, pero a menudo me siento frustrado con ese mundo y su escenificación.
Hace unos años, pasé unos meses en Europa para ver las principales ferias internacionales de arte donde se pueden ver las tendencias de lo que se supone nuevo en el mundo del arte.
Y me llamó la atención yendo a tantas, una tras otra, con cierta claridad, qué era lo que yo estaba esperando.
Estaba ansioso por cosas que no obtenía, o no conseguía lo suficiente.
Dos eran las cosas principales: una, que estaba deseando realizar más trabajo que fuera atractivo para un amplio público, que fuese accesible.
Y lo segundo, que anhelaba una artesanía más refinada y más técnica.
Así, pensé e hice un listado de todo lo necesario para una bienal perfecta.
Entonces decidí que, empezaría mi propia bienal.
La organizaría y la dirigiría y la pondría en marcha en todo el mundo.
Así que pensé, bueno, debería tener algunos criterios sobre cómo elegir los trabajos.
Entre todos los criterios que tengo, hay dos cosas principales.
La primera es la que llamo la «prueba de Mimaw».
Y de lo que se trata es que me imagino explicando una obra de arte a mi abuela, en cinco minutos.
Y si no lo puedo hacer en cinco minutos, entonces ya es demasiado obtusa o esotérica y no se ha perfeccionado lo suficiente.
Es necesario más trabajo hasta que pueda hablar por sí misma con fluidez.
Y mi segundo conjunto de reglas…
Odio decir «reglas» por ser arte.
Mi criterio sería la regla de tres; la cabeza, el corazón y las manos.
Y el arte, con mayúsculas, tiene cabeza; debe tener interesantes ideas intelectuales y conceptos.
Corazón porque debe tener pasión, corazón y alma.
Y manos que lo artesonen con excelencia.
Así que empecé a pensar en cómo hacer esta bienal, cómo viajar por el mundo y encontrar estos artistas.
Y entonces me di cuenta un día, que existe una fácil solución.
Voy a hacer todo yo mismo.
(Risas)
Y esto es lo que hice: Pensé que una bienal necesita artistas.
Si iba a ser una bienal internacional, necesitaría artistas de todo el mundo.
Lo que hice fue inventar un centenar de artistas de todo el mundo.
Me imaginé sus biografías, sus pasiones en la vida y sus estilos artísticos.
Y empecé a hacer su trabajo.
(Risas)
(Aplausos)
Sentí que este era el tipo de proyecto para seguir haciendo toda la vida.
Decidí que haría de esto una verdadera bienal.
Significaría dos años de dedicación en el estudio.
Y lo haría en dos años.
Y así lo hice.
Así, empezaré a hablar de esto.
La gama es bastante amplia.
Y como soy muy de técnicas, me encantó el proyecto, pues tocaría todas las técnicas.
Así, por ejemplo, la pintura realista, abarca desde éste, que es un estilo similar al de los antiguos maestros, pasando por la naturaleza muerta, hasta este tipo de pintura que realicé con un pincel de un solo pelo.
Luego en el otro extremo, hay funciones, cortometrajes e instalaciones de interiores como ésta y esta otra, o instalaciones al aire libre como ésta y esta otra.
Debo decir que yo hago todas estas cosas.
Esto no es con Photoshop.
Estoy en el río con los peces.
Ahora les presentaré a algunos de mis artistas de ficción.
Este es Nell Remmel.
Nell se interesa en procesos agrícolas, y su trabajo se basa en esas prácticas.
En esta pieza, titulada «Tierra Invertida» se interesa por atrapar el cielo y usarlo para limpiar la tierra estéril.
Y al utilizar espejos gigantes…
(Aplausos)
Aquí ella utiliza espejos gigantes y los entierra.
Esto tiene unos 6,7 metros de largo.
Lo que me encantó su trabajo era poder caminar alrededor y mirar hacia abajo y ver el cielo, mirar hacia abajo para observar el cielo, y esto desembocó en una nueva forma.
Probablemente la mejor parte de esta pieza es al atardecer y el amanecer, cuando aparece el crepúsculo y el suelo queda oscuro, pero aún se ve arriba brillar la luz.
Y uno está ahí al frente y todo lo demás está oscuro, pero hay un portal al que se desea saltar y meterse.
Esta pieza es genial.
Está en el patio de mis padres en Arkansas.
Me encanta cavar agujeros.
Por eso crear esta pieza fue muy divertido, porque estuve dos días excavando en tierra blanda.
La siguiente artista es Kay Overstry, quien se interesa por lo efímero, lo temporal.
Su proyecto más reciente se llama «Mi Clima».
Ella está haciendo un clima a la escala de su cuerpo.
Esta obra se llama «Escarcha».
Lo que hizo fue que salió en una noche fría y seca y sopló hacia atrás y adelante sobre el césped, para dejar…
para dejar la marca de su vida…
la marca de su vida.
(Aplausos)
Esta mide unos 165 cm.
de escarcha que dejó trás de sí.
El sol sale y se derrite.
Esto lo interpretó mi madre.
El siguiente es un grupo de artistas japoneses, un colectivo de artistas japoneses…
(Risas)
en Tokio.
Les interesaba desarrollar un nuevo estilo de arte alternativo.
Como necesitaban fondos para ello, decidieron salir con unas interesantes ideas para recaudarlos.
Como esbozar unas «obras maestras».
(Risas)
Lo que hacen es plasmar a estos artistas en tarjetas de 22 por 21 cm y los venden por 10 dólares.
Trazan borradoes de obras originales.
El que compra una, puede que consiga una verdadera obra, o tal vez no.
Bueno, esto ha disparado una moda en Japón, porque todo el mundo quiere una obra maestra.
Y los más buscados son los bosquejos más simples.
Todas estas obras, de alguna manera, hablan de la suerte, del destino o de la casualidad.
Los dos primeros son esbozos de ganadores de mega premios, años antes y después del premio.
Este se llama «Dibujar el palo corto.»
(Risas)
Me encanta esta pieza porque tengo un primo pequeño en casa quien me presentó -creo que es una gran presentación- un día a un amigo así: «Este es mi primo Shea.
Dibuja palitos muy bien».
(Risas)
Es uno de los mejores elogios que he recibido.
Este artista es Gus Weinmueller, quien está haciendo un proyecto enorme llamado «El arte para los pueblos.» Dentro de este proyecto, hace otro más pequeño denominado «Artistas Residentes».
Y lo que hace es…
(Risas)
pasar una semana con una familia.
Se presenta en la puerta de la casa, con un cepillo de dientes y la pijama, y anuncia que está listo para pasar la semana con ellos.
Utilizando sólo lo que hay, entra y monta un cuarto-estudio para trabajar.
Y pasa la semana hablando con la familia acerca de lo que piensan sobre el gran arte.
Tienen todas estas discusiones .
Escudriña todo lo que tienen, y encuentra materiales para hacer su trabajo.
Y lo hace reflejando lo que ellos piensan sobre el gran arte.
Para esta familia, hizo este bodegón.
Todo lo que hace de alguna manera se referiere a la anidación, al espacio y a la propiedad privada.
Este nuevo proyecto, es de Jaochim Parisvega, y lo que a él le interesa…
Él cree que el arte está en todas partes, al acecho y que sólo necesita de un empujoncito para que aflore.
Él proporciona este empuje aprovechando los fenómenos de la naturaleza, como en su serie en la que utiliza la lluvia para pintar.
Este proyecto se denomina «Nidos de Amor».
Aquí lo que hizo fue lograr que aves silvestres hicieran arte para él.
Puso el material en lugares donde las aves lo recolectaran, y luego hicieran sus nidos para él.
Éste se llama «Nido de Mechones».
Y éste, «Nido de canción de amor en una cinta múltiple».
(Risas)
Y éste, «Nido para el Amor».
(Risas)
La siguiente es Sylvia Slater.
Sylvia se interesa en enseñar arte.
Es una artista suiza muy seria.
(Risas)
Pensaba en sus amigos y familiares que trabajan en pleno caos en países en desarrollo, y pensó, Qué puedo hacer de valor para ellos, en caso de que algo malo les suceda y tengan que pagar para que les ayuden atravesar la frontera o pagar por desarmar a un hombre.
Y así se le ocurrió la creación de estas obras de arte de bolsillo que son retratos de quien las lleva.
Y los llevarían consigo para poder pagar y comprar su vida.
Este es el precio de una vida para un director de un sistema de riego sin fines de lucro.
Espero que, pase lo que pase, nunca tengan que usarlo, y como es heredable, se puede dejar a otros.
Ella lo hace de manera que pueda dividirse en plazos, o como estas hojas de pagos.
Son valiosos.
Se trata de metales y piedras preciosas.
Este tuvo que romperse.
Recientemente tuvo que fraccionarlo para salir de Egipto.
Esta es una pareja, Michael Abernathy y Bud Holland.
Están interesados en creación de cultura, concretamente, en tradición.
Lo que hacen es trasladarse a un lugar y tratar de establecer una nueva tradición en una pequeña zona geográfica.
Esto es en el Este de Tennessee, ellos decidieron que necesitaban una tradición positiva vinculada a la muerte.
Llegaron, pues, con la «Rumba de la Tumba».
Y esto es…
Una rumba de la tumba es para un aniversario importante o un cumpleaños, para que se reúnan todos los amigos y familiares y puedan bailar allí donde le enterrarán.
(Risas)
Logramos mucha participación cuando lo hicimos.
Convencí a mi familia, sin que ellos supieran de qué se trataba.
Les dije «Vístanse para un funeral.
Vamos a realizar un trabajo».
Y así llegamos a la tumba y se hizo esto, que fue muy gracioso, además de la atención que nos prestaron.
Es lo que pasa al bailar sobre la tumba.
Y después de haber bailado, todo el mundo brinda y te dice qué grande eres.
Y básicamente tienes tu funeral estando presente.
Estos son mis padres por Jason Birdsong .
Él se interesa, como animales que somos, en la manera cómo practicamos el mimetismo y el camuflaje.
O sea, mirando desde un callejón oscuro o desde un camino en la selva, tratamos de imitar una cara o una criatura.
Sólo tenemos una manera natural de ver.
Él juega con esta idea.
Y en esta obra; no son en realidad hojas.
Son ejemplares de mariposas con su camuflaje natural.
Las empareja.
Hay otro montón de hojas.
Estos son en realidad especímenes de mariposas reales.
Las empareja con pinturas.
Éste es un cuadro de una serpiente en una caja.
Se abre la caja y piensas: «Cómo,
¿hay una serpiente ahí?
» Pero en realidad es una pintura.
Él produce estas interesantes conversaciones sobre realismo y mimetismo y sobre nuestro deseo de ser engañados por un gran camuflaje.
(Risas)
La siguiente artista es Hazel Clausen.
Hazel Clausen es una antropóloga que se tomó un año sabático y decidió: «Me gustaría aprender mucho sobre la cultura creando una cultura inexistente desde el principio».
Así lo hizo.
Creó el pueblo suizo llamado «Campanilleros», con el yodel como canción distintiva que cantan utilizando la campanilla.
También hacen referencia a la forma de campanilla.
Todo lo que dicen ha decaído debido a la fruta prohibida.
Y ese es el símbolo de su cultura.
Esto es de un documental denominado «Prácticas sexuales y de control de población entre los campanilleros».
Este es un típico bordado de angora para ellos.
Esta es una de sus fundadoras, Gert Schaeffer.
(Risas)
Y de hecho, esta es mi tía Irene.
Fue muy divertido contar con una persona falsa fingiendo cosas.
Y me morí de la risa con esta pieza porque cuando la veo sé que es angora francesa pero todas esas cintas alemanas antiguas así como la lana, son de una hilandería de Nebraska que he conservado por 10 años, así como las antiguas faldas chinas.
El siguiente es un colectivo de artistas llamado «Los Doberman de Plata».
Su lema es difundir el pragmatismo, una persona cada vez.
(Risas)
Están realmente interesados en lo super mimados que nos hemos vuelto.
Este es uno de sus comentarios sobre lo mimados en que nos hemos convertido.
Y lo que han hecho es poner una señal de advertencia en cada púa de esta cerca.
(Risas)
(Aplausos)
Esto se llama «Valle de sentido hípico».
El siguiente artista es K.
M.
Yoon, un artista muy interesante de Corea del Sur.
Está revisando una tradición del arte de Confucio de piedras eruditas.
A continuación Maynard Sipes.
Me encanta Maynard Sipes, aunque esté fuera de lugar, y, bendito sea, que sea tan paranoico.
El siguiente es Roy Penig, un artista muy interesante de Kentucky; el hombre más amable.
Incluso una vez cambió una obra de arte por un trozo de queso del gobierno porque la persona lo deseaba con fervor.
La siguiente es una artista australiana, Janeen Jackson, y esto es de un proyecto suyo llamado «Lo que hace una obra de arte cuando no la observamos.»
(Risas)
El siguiente es un clarividente de Lituania, Jurgi Petrauskas.
Ahora tenemos a Ginger Cheshire.
Este es de uno de sus cortometrajes llamado «La última persona.» Y ese es mi primo con el perro de mi hermana Gabby.
El siguiente es de Sam Sandy, un anciano aborigen australiano, que también es artista.
Y esto es de un proyecto de una gran escultura itinerante que está haciendo.
Esto es de Estelle Willoughsby.
Ella sana con color.
Es una de las más prolíficas de todo este centenar de artistas, a pesar de que cumplirá 90 el próximo año.
(Risas)
Esto es de Z.
Zhou; él se interesa por el éxtasis.
Lo siguiente es de Hilda Singh, quien está haciendo un proyecto completo denominado «Conjunto Social».
Lo siguiente es de Vera Sokolova.
Y debo decir que una parte de Vera me asusta.
No la puedes mirar directamente a los ojos, porque da un poco de miedo.
Es bueno que ella no sea real; pues se pondría como loca al oírme decir esto.
(Risas)
Es una optómetra de San Petersburgo, y juega con la óptica.
A continuación, esto es de Thomas Swifton, de un cortometraje, «Aventuras del Flaco.»
(Risas)
Y esto es de Cicily Bennett, de una serie de cortometrajes.
Después de éste, hay 77 artistas más.
Y junto con los otros 77 que no estamos viendo, son mi bienal.
Muchas gracias.
Gracias.
Gracias.
(Aplausos)
Gracias.
Gracias.
(Aplausos)
https://www.ted.com/talks/shea_hembrey_how_i_became_100_artists/
